Le 29 Janvier dernier au TNB (Théâtre National de Bretagne) je suis allée voir un spectacle de danse contemporaine de la chorégraphe Trisha Brown. Je ne connaissais pas du tout ni ne savais à quoi m’attendre car je sais que la danse « contemporaine » peut être tout et son contraire. On pense très souvent la danse contemporaine comme quelque chose de très abstrait, d’étrange voire de perturbant. Mais ce spectacle réconcilie les plus réticents à la danse contemporaine. C’est équipée d’un stylo et d’un carnet (encore des carnets !) que je débute cette soirée.
Quelques mots sur la chorégraphe : Trisha Brown est une danseuse chorégraphe américaine née en 1936 et se tient comme la figure centrale de la danse post-moderne.
« Mon travail parle d’espace, de forme, de directions, de changements, de rupture, de vitesse, de dynamique et de qualité de mouvement… Une danse abstraite faite de mouvements fugitifs qui émergent et s’évaporent, puisant dans les sources variées de l’improvisation et les gestes de la vie quotidienne. »
3 pièces, une chorégraphe, 7 danseurs :
- Set & Reset (1983)
Nous sommes d’emblée amenés dans une ambiance post-industrielle avec une vidéo projetée et des sons brouillés d’une radio. Puis une musique rythmée nous emmène ainsi que six danseurs dans une recherche corporelle de l’harmonie. Entre individualité et liens, les danseurs effectuent des mouvements qui semblent être uniques à chacun. Cependant, on retrouve une logique de répétition ainsi qu’une logique de transmission du mouvement et de rapports presque je dirais « causaux » qui font que l’un ne peut exister sans l’autre.
J’ai vraiment été scotchée par cette première pièce qui m’a agréablement surprise et qui m’a vraiment transportée dans cet univers de légèreté et d’imprévisibilité.
2. You Can See Us (1995)
La deuxième pièce se construit autour d’un travail de miroir. Deux danseuses semblent se faire face sous une douche de lumière orangée. L’ambiance est ambigüe et paradoxale, on se sent apaisé mais aussi inquiet. La musique y est sans doute pour quelque chose. J’ai remarqué (avant de le lire sur la plaquette) que les danseuses ne se regardent jamais, ce qui est à la fois brillant (c’est difficile d’être ensembles sans le regard) et à la fois intéressant sur la notion de dualité qui est mise en place par la pièce (et en relation avec le titre).
3. Neward (1987)
Tout de suite on est interpelé par les gestes plutôt lents de deux danseurs qui introduisent un rythme d’adage cassé par les gestes plus rapides des femmes. Elles arrivent unes à unes et leurs mouvements s’emballent. La musique est un vrombissement continu qui s’arrête parfois brutalement mais n’empêchant pas les danseurs de continuer à danser en rythme et en synchronie. C’est ce que j’ai trouvé de vraiment intéressant dans cette dernière pièce. L’absence de musique n’empêche finalement pas la danse de s’exprimer, et la mélodie se retrouve dans l’harmonie des gestes. Le talent des danseurs est d’autant plus impressionnant qu’ils n’ont pas de repères sur le rythme chorégraphique. Je me suis amusée à essayer de compter leurs temps pour m’imaginer à leur place.
(Source : Le figaro )
(Source : Ouest-France )
La danse contemporaine de Trisha Brown peut se résumer ainsi : légèreté, originalité, et surprise. Avec des influences à la fois empruntées au Jazz et à la fois au classique, le contemporain ici, est d’une beauté absolue. Il est étonnant tout en nous emmenant avec grâce dans une réflexion sur la dualité, sur les rythmes et sur le caractère aléatoire.
Cependant, étant particulièrement attachée à la musique et à son rôle de médiateur entre le spectateur et le danseur, je n’ai pas pu m’empêcher de regretter pour la dernière pièce la présence de musique. Pour moi, c’est quelque part ce qui ajoute une nuance à l’émotion produite par le geste et l’expressivité.
Ce point mis à part, j’ai été réellement conquise par ce spectacle. J’espère que vous avez été nombreux à les applaudir et si non, intéressés par leur travail. Venez consulter le site pour votre prochain spectacle en cliquant ici !
